lalune

Le premier venu raconte l’histoire d’une jeune femme, Camille, qui a décidé d’aimer un homme qui n’a rien à voir avec elle, parce qu’il l’a violée. Son acte volontariste de l’aimer, un peu comme le ferait une sainte, s’explique par la volonté de le sauver, et de se sauver elle-même, car si elle n’aime pas celui qui l’a violée et déflorée, elle se perdra. On ne croit pas à vraiment à cette motivation du personnage, qu’elle explique plusieurs fois verbalement mais qu’à mon sens, elle n’incarne pas. Elle n’en n’est pas moins charmante, même si l’on souhaiterait qu’elle lève un peu  la tête pour mieux voir ses expressions, et bénéficier de variations sur son visage trop masqué pas ses cheveux.  Son premier partenaire, Gérald Thomassin (Costa), est un excellent acteur. La démarche peu séduisante, la voix mal timbrée, c’est un personnage fort, un « paumé » opaque et attachant, dont Camille découvre peu à peu l’univers sombre (un vrai ch’ti, pas un de carton pâte) et la personnalité. Dans leur relation vient s'imiscer un troisième protagoniste, un jeune flic, qui s'éprend de Camille et devient le rival de Costa.

La caméra souple et réactive, et le montage sec mais fluide (sautant pourtant en permanence les axes), captent avec grand naturel ces perpétuels croisements, départs, retours, échanges et détournements du trio qui se cherche, se sépare, et se rassemble.  Le problème est que, passé une heure, le film se noie dans son scénario, comme si Doillon ne parvenait pas à mettre un point final à cette histoire qui se répète, piétine, s’étale pendant des heures et finit par franchement nous ennuyer. Les deux personnages masculins, et avec eux le spectateur, deviennent victimes d’une charmante jeune femme qui n’en fait qu’à sa tête, elle-même dépassée par la situation et par sa quête. Ses coups de têtes renversent sans cesse la situation, qui se retourne toujours subitement pour la ramener à un point opposé, où elle en fait était 5 minutes auparavant. A la fin, on se demande si Doillon n’avait pas pour seule motivation de filmer des jeunes gens (un peu comme Rohmer avec son suranné Astrée et Céladon, qui, aurait-on dit, captait avec sa caméra de beaux jeunes gens gambadant dans les prés en robe légère, à défaut de pouvoir les toucher vraiment).  Cela devient fatigant et perd son sens. Lassés par ces changements radicaux et systématiques, on quitte le navire à la moitié du film. Dommage, on y avait embarqué de pied ferme.

Le policier qu’incarne Daniel Auteuil se fait peu à peu écarter de la police à cause de son alcoolisme et de son franc-parler. Mais il tient à clore l’enquête pour laquelle il était missionné et la mènera à bien, au détriment de lui-même. Intelligent, vindicatif et réactif, il dépassera largement ses attributions.

La mise en scène rend bien compte d’un univers policier présenté ici comme un trou à rats sombre et malsain. Mais ce qui fascine et émeut avant tout dans le film, c’est Daniel Auteuil. En justicier blessé, en policier alcoolique et détruit, en homme brisé. Derrière ses lunettes aux verres teints, on distingue mal son regard. C’est un élément important sur lequel l’acteur, ici,  ne peut pas compter. Il joue donc du reste de son corps, fourbu par le poids de la douleur. Héros qui renaît de ses cendres et dépasse ses limites quand il s’agit de rendre justice, il pousse, à la mort d’un ami, un cri de douleur qui rappelle celui d’Harvey Keitel dans Bad Lieutenant. Deux magnifiques  hurlements de loup pour manifester l’insupportable qui rend fou, et qu’il faut extraire de soi. Deux policiers écrasés par la douleur. Il y a un troisième flic charismatique et alcoolique, c’est Yves Montand dans Le Cercle rouge de Melville. Au cinéma décidément, la drogue et la douleur réussissent aux flics.       http://lalune.over-blog.org                    

There will be blood raconte l’enrichisssement d’un self-made man américain, au début du 20ème siècle, qui cherche et trouve du pétrole. C’est un misanthrope arriviste, qui piétine tout ce qui se trouve sur sa route, et réussit. A travers lui, There will be blood raconte aussi l'avènement du capitalisme, ainsi que la lutte entre le pouvoir de l'argent et celui de la religion, pour dominer les Hommes.

Tout pèse trop lourd dans ce film. Daniel Day Lewis en fait des tonnes, la musique qui voudrait égaler la puissance de celle d’Ennio Moricone (ai-je eu l’impression), ne parvient pas à créer l’univers très particulier et pourtant indissociable des films de Leone. Ce « grand » film ne m’a pas accrochée, n’a pas « fonctionné » pour moi. Grand à cause de sa durée, le buzz autour, l’acteur oscarisé. Ne fonctionne pas, à mon avis, parce qu’il se veut « grand ». Je crois, peut-être à tort, qu’un film ne devient grand que quand il se retrouve face à ses spectateurs, selon ce qu’il produit sur eux, pas avant. Ici, le réalisateur semble viser le chef d’oeuvre, faire son « Scarface» (il paraît qu’un journaliste a dit ou écrit ça quelque part, alors on s’est dit la même chose), et cette intention prend le pas sur la sincérité et la proximité avec son personnage. Il m’éloigne du coup aussi, de son film. Je ne sais pas si c’est un bon ou un mauvais film, mais sa facture m’a laissée dans la salle, et c’est dommage, parce que je ne suis jamais allée en Amérique.                                                               JD

"Juno" de Jason Reitman

Peut-on rire de tout ? Peut-être, mais sur certains sujets, il faut être très bon.

Une ado de 16 ans tombe enceinte d’un garçon qu’elle n’aime pas et décide, parce que le centre d’avortement la déprime, de ne pas avorter et de le donner à de jeunes parents qui ne peuvent pas avoir d’enfants. Ce qui est sensé faire rire, c’est qu’elle leur parle de ce qu’elle a dans le ventre comme d’une chose, d’un truc, avec un total détachement. Une fois ça va, quatorze fois….
La mère adoptive de son futur bébé est une caricature de jeune bourgeoise dynamique polie et affligée, la relation de Juno à son père (tendre), à sa belle-mère (compliquée) sont des stéréotypes. A la fin du film, comme son père lui dit qu’un jour elle rencontrera quelqu’un qui l’aime pour ce qu’elle est (phrase entendue au cinéma et ailleurs, allez…1500 fois), ça lui fait tilt et elle se rend compte qu’elle est amoureuse du garçon qui lui a fait un bébé (qui est d’ailleurs tenu et resté à l’écart de toute décision et émotion concernant cet « événement »), qui est fou d’elle, et dont elle se moque depuis le début du film….Juno a pourtant obtenu l’Oscar du meilleur scénario. 

Une relation complice et privilégiée naît entre Juno et le futur père adoptif, et puis non. C’est vrai elle n’a que 16 ans, elle retourne donc jouer aux billes (ou à la guitare, ce qui revient au même) avec le garçon boutonneux qui aime les tic tac à l’orange (attention : gag) et qui l’a mise enceinte.

La morale et le moral sont saufs : ce trop jeune couple ne garde pas l’enfant, il n’y pas de détournement de mineur, la jeune femme-qui-ne-peut-pas-avoir-d’enfant-mais-qui-en-rêve en aura un (même si son mari la quitte). Tout ce qui aurait pu rendre l’histoire un peu râpeuse est soigneusement évité, en même temps que tous les sujets, comme celui (je croyais) du film : que peut vivre une adolescente enceinte ?

La mise en scène appuyée ne sauve pas la mise, avec sa récurrence de scènes commençant par des successions de gros plans gagesques (la belle mère qui découpe des chiens dans des revues, des tic tac à l’orange en masse dans la boîte aux lettres de son consommateur etc).

 L’actrice porte son faux ventre comme le personnage son bébé : comme un  truc encombrant mais sans implication. Dis-moi Oscar, quel est l’enjeu du film, au juste ? Si c’est de rire, c’est raté.

« Que reste t-il de nos amours ? » pourrait-être, comme dans Baiser Volés de François Truffaut il y a plus de trente ans, la chanson du film de Jean-Marc Moutout. Sauf que, Elsa zylberstein alias Eloïse, contrairement à JP Léaud alias Antoine Doisnel, maladroit comme pas deux, est une « winneuse », ou tente de l’être. Réussissant parfaitement  dans son travail, elle prend sa vie affective en main. Elle cherche l’amour. Elle se donne les moyens de réussir.  JP Léaud s’y prenait comme un manche, mais l’amour lui tombait dessus, il tombait passionnément amoureux de Delphine Seyrig, puis revenait à son amour plus sage et raisonnable, Christine, incarnée par Claude Jade. Volontairement ou non, bien ou mal, il exprimait ses sentiments, les vivait, ceux-ci le débordaient.

Ici,  point de débordement (des sentiments). La fabrique des sentiments raconte bien, filme bien, comment dans  notre monde moderne, hommes et femmes en mal de repères et d’amour, ont à leur disposition divers moyens (internet et speed-dating par exemple) pour trouver quelqu’un avec qui coucher, avec qui faire un bout de chemin, avec qui « se caser ».

Stylisés par la mise en scène de Jean-Marc Moutout, les speed-dating sont les plus symptomatiques de notre société. Silence de fond angoissant (pas de son d’ambiance ?),  décor moderne et froid, chacun est sommé de se présenter sous son meilleur jour. Travellings avants rapides mais amortis, sur les visages qui se jaugent. Les plus sûrs d’eux assurent, les plus timides restent sur leur quant à soi,  tentant d’être eux-mêmes. 7 minutes pour séduire, pour faire son numéro, autant à l’autre qu’à soi, car en même temps que l’on se « vend » à l’autre, on se jauge et se juge soi-même. Ca passe ou ça casse. Société de consommation, vite vu, vite choisi, vite zappé, vite ingéré. Forcer la chance, « se donner les moyens de réussir ».

La scène la plus inquiétante et peut-être la plus emblématique de notre époque est le premier rendez-vous entre Héloïse et le jeune avocat (Bruno Putzulu), qui se sont donc plus. Assez pour se revoir. Se donner plus de temps pour se jauger. Elle lui demande s’il a rappelé d’autre filles, il dit que oui, une autre. On ne sait pas s’il dit vrai. Mais on sait qu’Héloïse est, du coup, en compétition avec une autre, et qu’elle doit donc être meilleure. Cette scène montre bien que perdus et avides comme ils sont, ils ne se revoient pas pour le plaisir d’un moment passé ensemble, et laisser la vie faire le reste ; ils se revoient pour s’évaluer, se sentir, se mentir, avoir l’air… Repasser un entretien d’embauche. L’angoisse de la solitude et la faculté à changer de partenaire fausseraient-elles les rapports, les rencontres ? On ne tombe pas amoureux, au mieux, on le devient.

Débordement, ici, finalement il y a aussi. Du côté du corps. Le sein d’Héloïse coule, comme pour allaiter un enfant qu’elle n’a pas et qu’elle craint, du coup, de ne jamais pouvoir avoir.

Son corps lâche, elle perd régulièrement connaissance. Sa maladie l’inquiète et lui fait honte, ce qui l’empêche de revoir l’homme qu’elle voudrait. Son état de célibataire sans enfant lui fait si peur qu’elle déclare une maladie qui l’empêchera d’honorer ses rendez-vous avec, pourquoi pas, un futur père pour ses enfants ?

A la fin de Baisers Volés, alors qu’Antoine et Christine sont enfin ensemble, sereinement, un homme vient vers eux et propose à Christine de se donner entièrement à elle, concluant ainsi : « je comprends que vous préférez d’abord rompre des liens provisoires qui vous attachent à des personnes provisoires, moi je suis définitif »,  prémice sans doute a la séparation d’Antoine et Christine dans  le film suivant, Domicile Conjugal.

Entre Baiser Volés et La Fabrique des Sentiments, le fond reste le même : travailler d’un côté, et de l’autre, trouver la personne que l’on aime, celle avec qui il est possible de vivre, et d’avoir des enfants. Mais la forme (des rencontres, des relations), avec le temps, a changé. Alors que, paraît-il, les célibataires sont de plus en plus nombreux, la société de consommation et de communication mobilise ses moyens pour faire semblant de combler les vides, partout où elle peut s’immiscer, se contaminer, même dans le domaine le plus subjectif, incontrôlable et privé, qu’est l’amour.

P.S : le premier film de JM Moutout, Violence des échanges en milieu tempéré était très réussi aussi. Il montrait le dilemme d’un jeune homme, qui dans son premier emploi se rendait peu à peu compte qu’on l’avait recruté pour licencier une partie du personnel… Pris entre sa conscience (et les injonctions de son amie à quitter cet emploi sous peine de la perdre elle), et les exigences de la société (performance, réussite, peur du chômage –le sien-), ce jeune cadre était sommé de faire un choix.